Cuarto Piso
Dudu Quintanilha
desde noviembre de 2023.
(2010-2013)
Copia actual 2023
Fotografías 35 mm
Medidas variables
Imágenes tomadas entre los años 2010 y 2013, período durante el cual el artista participó en el equipo de natación de la Universidad Torcuato Di Tella como parte del proyecto “Equipo de Natación”.
Daniel Leber y Santiago Villanueva
entre octubre 2021 y noviembre 2023.

“Los artistas Santiago Villanueva y Daniel Leber ofrecen, en su instalación Las habilidades, un conjunto homogéneo de piezas. De metal o de madera pintada, las piezas consisten en engarces de formas o “símbolos compuestos por signos combinados entre sí”, en sus palabras. Cada pieza representa una obra de la colección del Museo Provincial Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fé y se compone por las diferentes “habilidades” que los artistas distinguen en ella. Estos dos artistas e historiadores del arte recuperan, desde su obra, episodios más o menos conocidos del arte argentino y americano que vinculan abstracción geométrica, vanguardia, esoterismo y decorativismo. Como runas, jeroglíficos, elementos de la tabla periódica o emoticones, los símbolos que exhiben son líneas que precisan de un trazo firme y buena factura para convocar fuerzas secretas. La piedra (fundacional) son las obras del Museo Rosa Galisteo. La madera y el metal completan el trío de materiales primarios donde los símbolos toman un cuerpo de mínimo volumen a la manera de amuletos, monedas y gongs que expanden el sonido.”
Fuente: Lucas Martinelli y Belén Coluccio – Revista Encuadra (2020)
Clara Esborraz


“La serie de dibujos Shaving the back of my head de la artista Clara Esborraz, es una continuación de su muestra individual “Sucia y desprolija”, realizada a finales de 2019 en la Galería Piedras. Éste proyecto que ocupaba dos salas, presentaba en la primera, siete dibujos en los que se retrataba la habitación / taller de la artista, ocupada por un grupo de mujeres semi desnudas en diferentes situaciones; en la segunda sala, tenía lugar una performance, de la que ella misma formaba parte, junto a un grupo de actrices con las que permanecía en tiempo real en esa habitación / taller realizando algunas actividades mínimas. Luego de haber atravesado la intensidad de esta experiencia performática, Clara comienza éste nuevo proyecto que sigue situado en un espacio donde se duerme y también se trabaja, ahora exacerbando el encierro, la noche y la incomodidad de lxs cuerpxs. En éstas escenas un grupo de personajes conviven con sus sueños y sus pesadillas, entrando en un estado alucinatorio donde lo real y lo ficticio se entremezclan para dar lugar a lo desconocido.
Por medio de la utilización de birome sobre papel como únicos elementos, sostiene una paleta reducida a las posibilidades de una determinada marca de biromes. Estas combinaciones y la fuerte predominancia del negro en toda la serie le dan a estas imágenes un fuerte contraste entre la luz de la línea, los colores fluorescentes que remiten a la iluminación en las discotecas y la oscuridad del espacio donde se desarrollan las escenas. Entre lxs cuerpxs transpirados, una serie de peinados y cortes de pelo extravagantes remiten al postpunk. En estxs cuerpxs la autora se autorretrata y se desdobla en muchxs, indagando las posibilidades de representación y deformación de su propia imagen. La serie explora los límites entre figuración y abstracción, como así también entre lo femenino y lo masculino, buscando representaciones ambiguas e inexplicables.”
Fuente: Galería Piedras – Revista Ramona (2019)
Marcelo Alzetta

“Marcelo Alzetta, artista fallecido recientemente, pintaba haciendo magia y creaba a cada paso mundos soberanos gobernados por la fantasía. Imaginación y trascendencia: “Me gusta pensar en cosas ligadas al alma y lo espiritual que se ven reflejadas en lo que uno construye cuando usa la mano y la mente, el espíritu”. También quiso ser el mejor artista del mundo. Me encanta esa imagen, no sólo porque revela la fantasía de un ranking planetario organizado a partir de datos objetivables (¡pienso en la metodología capaz de organizarlo y me estremezco!); sino porque confiesa una fe en el arte como un oficio notable y como una forma de vida. Ser el pintor más célebre equivaldría en gran medida a resolver materialmente las condiciones de existencia; una premisa que colisiona con otra certeza: en Argentina vivir del arte sigue siendo una utopía”
Fuente: Jimena Ferreiro – Revista Ramona (2021)
Constanza Giuliani

“Las bases formales del trabajo de Constanza Giuliani se anclan en la práctica del dibujo y la pintura. Valiéndose del aerógrafo, herramienta que permite la hibridación de estas actividades, desarrolló un imaginario visual cercano al surrealismo, al cómic, la animación y el graffiti. Realizando pseudo cuentos ó proto-cómics investigó la escritura experimental en la pintura y en las artes gráficas. El texto muchas veces se vuelve forma y compite o se mezcla con las imágenes. Elementos literarios como la fábula, el cuento y la poesía emergen de forma experimental. Le interesa construir cuerpos-personajes-historias que puedan asimilar diversas emergencias de los seres contemporáneos. A través de ficciones especulativas, metabolizo emociones y vivencias personales que buscan resonar en y con otros, en cuanto se mueven de lo particular a lo general, de lo íntimo a lo público, desde adentro hacia afuera y también desde la virtualidad al espacio real. Constanza busca que la intimidad de las emociones y las formas que toman las relaciones se configuren en mi trabajo como potencia política y poética. Busca establecer plataformas que propicien diálogos poéticos a través de una perspectiva feminista. Esta perspectiva no es antropocéntrica sino queer, se activa desde la alteridad que presentan los cuerpos y las ideas en constante proceso de mutación. Explora la posibilidad de crear un espacio-tiempo donde los humanos y los no humanos estén unidos relacionalmente a través de experiencias y acciones tentaculares, un hacer con y volverse uno con los demás, tensionando el trabajo colectivo con el individual”
Fuente: Statement de la artista – Galería Piedras (2020)
Daniel Leber

“La serie de pinturas a la que pertenece la obra Tu perro, tu caca, está realizada sobre una pequeña madera cuyo formato hace referencia a las panjske končnice, unos paneles rectangulares que usaban los apicultores eslovenos para albergar abejas entre el año 1800 y la segunda guerra mundial, aproximadamente. Fueron pintados más de 25.000 de estos paneles por carpinteros y pintores de “segunda mano”. Estas pinturas, únicas en el mundo, se volvieron una suerte de artesanía nacional que la generación de nuestros abuelos trajo en sus valijas al emigrar a la Argentina. Las imágenes retratan mundos imaginarios, bíblicos y rurales con sentidos moralizantes, satíricos y conmemorativos. “De chico -comenta el artista- mi fantasía se agitaba viendo estas imágenes colgadas en las casas de mis cuatro abuelos. Toda una cosmovisión parece emanar de esos relatos visuales que años más tarde, ya de grande, descubrí al profundizar en su estudio. En el 2019, gracias a la beca de viaje Oxenford, pude viajar a Eslovenia y ver colecciones públicas de estas piezas, y a su vez hablar con apicultores sobre los símbolos que aparecen en estas obras. A través de un lenguaje que abreva en el símbolo y la geometría, construyó un imaginario cotidiano con perspectivas metafísicas”.
Fuente: Daniel Leber – PM Galería (2021)
Laura Ojeda Bär

“Laura Ojeda Bär se dedica a observar, estudiar y analizar aquella energía que fluye cuando distintas personas se reúnen. Al pintar a sus amigos artistas, se crea un juego interno para intentar reconocerlos detrás de las capas de pintura que la artista ajusta y desajusta hábilmente. “Si bien en un comienzo mi pintura apuntaba a ser meramente un fiel registro del otro, hoy en día estoy convencida que mis retratos hablan mucho más de mí que de cualquier otra persona: son un ejercicio de autoconocimiento a través de la sociabilidad”, explica Ojeda Bär. Su frescura y genuina personalidad se estampan en las obras proyectadas en la Galería PASTO: Amigos, una pintura de gran tamaño protagonizada por cuatro amigos artistas; (Mochilas), un díptico que refleja el encuentro a partir de una acumulación de bolsos; y una instalación de siete pinturas de pequeño formato en distintos tamaños acompañadas de un objeto -un vasito cuyo vino se evaporó-. Los protagonistas, los símbolos del encuentro y las huellas o vestigios de éste con una mirada positiva.”
Fuente: Renata Zas – Indie Hoy (2013)
Carlos Cima

“La obra de Carlos Cima nos introduce en un clima de subjetividad inmersiva y envolvente. Delgadas capas de materia acechan la superficie de cada lienzo, y es la gestualidad del pintor —la acción del cuerpo del artista en el cuerpo de la obra— la que enuncia: detrás de toda celebración emerge el compromiso de lo festivo. Detenerse ante cada representación despliega algunos interrogantes. La reiteración icónica presente denota la potencialidad de las imágenes y la expresa voluntad de resolverlas en diversos tiempos. Su sentido apela a un universo de referencias construido por el propio artista, y a la nostalgia que emana de esa idea de felicidad inmanente a ciertas ceremonias en torno a un supuesto ideal de familia. Canastas, ramos y arreglos florales, tortas de festejo, muñecos de boda y souvenirs, compendian un conjunto iconográfico que contempla lo celebratorio. Un pasado vivenciado a través de imágenes de álbumes fotográficos provenientes de los anales familiares del artista. Recuerdos construidos e inmortalizados en melancólicos acontecimientos: bautismos, comuniones y casamientos, cumpleaños de quince y otros aniversarios. Tras esa apariencia de sutiles colores y con la liviandad de sus pinceladas, el artista crea veladuras que denotan un pasado de secretas e inquietantes situaciones afectivas. Mediante una Mise-en-scène, la iluminación de sus telas se desentiende de la lógica del claroscuro al tiempo que logra una obra sensual mediante el gesto pictórico. En la acción de repensar su propia práctica pictórica, rescata emociones a través de la trivialidad de los objetos elegidos con los que intenta traducir un ideal de felicidad.”
Fuente: Juan Laxagueborde – Página 12 (2020)
Mónica Heller


Mónica Heller desarrolla a través del dibujo, la pintura, animaciones 2D y 3D un despliegue de narrativas densas mediadas por personajes antropomorfos y objetos en relación con el mundo simbólico circundante. Sus personajes salidos de cuentos o fábulas asumen roles adultos en relaciones complejas que vinculan al espectador con representaciones cercanas en desplazamiento constante de sentido. Los principales recursos de su obra provienen de la transacción entre un imaginario fantástico como medio de interpretación y sublimación de lo real como experiencia inaprensible. – Statement de Piedras Galería
“En el universo fantástico, apocalíptico, surrealista -y, en algunos casos, críptico- de Heller conviven perros que son como lobos voraces y que firman contratos, y hombres y mujeres encadenados por el cuello y sometidos a condiciones animales. Hay también un zorro voyeur que observa a hombres y mujeres que se duchan, y una extraña niña –con el torso descubierto, por momentos parece no tener nariz– en silla de ruedas, que indaga acerca de qué es un paisaje y el alcance de ese vocablo en el lenguaje. La naturaleza resulta amenazante: los árboles traspasan muros o adquieren formas monstruosas. Vinculados a un imaginario de los dibujos animados, los personajes son osos, gatos y perros. Además, integran la serie pinturas surrealistas y metafísicas.
Muchas de las imágenes que conforman esta especie de cómic surgen, cuenta la artista, a partir de escenas que ve y de sueños. Los perros humanoides protagonistas de la serie “Los contratos del futuro serán firmados por perros” —un políptico compuesto por nueve pinturas que se vende como una pieza única y que no se puede desglosar— están inspirados en los que ve cuando va a pintar en carpa a Ramallo, cerca del río. Cada pintura es como una viñeta de un mundo distópico con imágenes de animales humanizados sujetos a abusos de poder.”
Fuente: Marina Oybin – La Nación (2021)