Nueva colección

El Instituto Torcuato Di Tella, en colaboración con el Departamento de Arte de la UTDT, tiene la alegría de presentar este conjunto de obras recientemente adquiridas. El objetivo inmediato de la colección es acercar a la comunidad ditelliana una instantánea de algunas de las diversas manifestaciones del arte contemporáneo argentino. ¿Por qué? Porque creemos que la familiaridad con el arte nos enseña que mirar es una forma del pensamiento y que convivir con obras de arte nos asoma a nuevos mundos posibles.

Hoy, en la biblioteca se alberga el Archivo Di Tella que preserva en perfectas condiciones los documentos de las actividades artísticas que se llevaron a cabo en la llamada “manzana loca”, donde operó el Centro de Artes Visuales (CAV) entre 1962 y 1970. Aquella década vibrante quedó signada por performances, happenings, el arte pop, el arte de los medios y el activismo político.

Desde hace más de una década y retomando la tradición vanguardista de investigación y pensamiento artístico de aquel Centro, el Departamento de Arte se propone como un espacio de formación para jóvenes artistas, críticos y curadores. Con este conjunto de obras, comenzamos un relevamiento de las múltiples y diversas manifestaciones de nuestro mundo del arte argentino, presente y futuro.

Obras

Daniel Leber y Santiago Villanueva

“Habilidades” (2020). Hierro laqueado. 67 x 54 cm

“Los artistas Santiago Villanueva y Daniel Leber ofrecen, en su instalación Las habilidades, un conjunto homogéneo de piezas. De metal o de madera pintada, las piezas consisten en engarces de formas o “símbolos compuestos por signos combinados entre sí”, en sus palabras. Cada pieza representa una obra de la colección del Museo Provincial Rosa Galisteo de Rodríguez, Santa Fé y se compone por las diferentes “habilidades” que los artistas distinguen en ella. Estos dos artistas e historiadores del arte recuperan, desde su obra, episodios más o menos conocidos del arte argentino y americano que vinculan abstracción geométrica, vanguardia, esoterismo y decorativismo. Como runas, jeroglíficos, elementos de la tabla periódica o emoticones, los símbolos que exhiben son líneas que precisan de un trazo firme y buena factura para convocar fuerzas secretas. La piedra (fundacional) son las obras del Museo Rosa Galisteo. La madera y el metal completan el trío de materiales primarios donde los símbolos toman un cuerpo de mínimo volumen a la manera de amuletos, monedas y gongs que expanden el sonido.”

Fuente: Lucas Martinelli y Belén Coluccio – Revista Encuadra (2020)

Clara Esborraz

“Sin título II” de la serie Afeitándome la nuca (2020). Birome sobre papel. 160 x 120 cm

“Sin título I” de la serie Afeitándome la nuca (2020). Birome sobre papel. 80 x 60 cm

“La serie de dibujos Shaving the back of my head de la artista Clara Esborraz, es una continuación de su muestra individual “Sucia y desprolija”, realizada a finales de 2019 en la Galería Piedras. Éste proyecto que ocupaba dos salas, presentaba en la primera, siete dibujos en los que se retrataba la habitación / taller de la artista, ocupada por un grupo de mujeres semi desnudas en diferentes situaciones; en la segunda sala, tenía lugar una performance, de la que ella misma formaba parte, junto a un grupo de actrices con las que permanecía en tiempo real en esa habitación / taller realizando algunas actividades mínimas.  Luego de haber atravesado la intensidad de esta experiencia performática, Clara comienza éste nuevo proyecto que sigue situado en un espacio donde se duerme y también se trabaja, ahora exacerbando el encierro, la noche y la incomodidad de lxs cuerpxs. En éstas escenas un grupo de personajes conviven con sus sueños y sus pesadillas, entrando en un estado alucinatorio donde lo real y lo ficticio se entremezclan para dar lugar a lo desconocido.

Por medio de la utilización de birome sobre papel como únicos elementos, sostiene una paleta reducida a las posibilidades de una determinada marca de biromes. Estas combinaciones y la fuerte predominancia del negro en toda la serie le dan a estas imágenes un fuerte contraste entre la luz de la línea, los colores fluorescentes que remiten a la iluminación en las discotecas y la oscuridad del espacio donde se desarrollan las escenas. Entre lxs cuerpxs transpirados, una serie de peinados y cortes de pelo extravagantes remiten al postpunk. En estxs cuerpxs la autora se autorretrata y se desdobla en muchxs, indagando las posibilidades de representación y deformación de su propia imagen. La serie explora los límites entre figuración y abstracción, como así también entre lo femenino y lo masculino, buscando representaciones ambiguas e inexplicables.”

Fuente: Galería Piedras – Revista Ramona (2019)

Marcelo Alzetta

“Meseta con Alma Encendida” (2013). Acrílico sobre tela. 70 x 50 cm

“Marcelo Alzetta, artista fallecido recientemente, pintaba haciendo magia y creaba a cada paso mundos soberanos gobernados por la fantasía. Imaginación y trascendencia: “Me gusta pensar en cosas ligadas al alma y lo espiritual que se ven reflejadas en lo que uno construye cuando usa la mano y la mente, el espíritu”. También quiso ser el mejor artista del mundo. Me encanta esa imagen, no sólo porque revela la fantasía de un ranking planetario organizado a partir de datos objetivables (¡pienso en la metodología capaz de organizarlo y me estremezco!); sino porque confiesa una fe en el arte como un oficio notable y como una forma de vida. Ser el pintor más célebre equivaldría en gran medida a resolver materialmente las condiciones de existencia; una premisa que colisiona con otra certeza: en Argentina vivir del arte sigue siendo una utopía”

Fuente: Jimena Ferreiro – Revista Ramona (2021)

Constanza Giuliani

 “Entre malvas” (2020). Acrílico sobre papel, aerografía. 152 x 91 cm

“Las bases formales del trabajo de Constanza Giuliani se anclan en la práctica del dibujo y la pintura. Valiéndose del aerógrafo, herramienta que permite la hibridación de estas actividades, desarrolló un imaginario visual cercano al surrealismo, al cómic, la animación y el graffiti. Realizando pseudo cuentos ó proto-cómics investigó la escritura experimental en la pintura y en las artes gráficas. El texto muchas veces se vuelve forma y compite o se mezcla con las imágenes. Elementos literarios como la fábula, el cuento y la poesía emergen  de forma experimental. Le interesa construir cuerpos-personajes-historias que puedan asimilar diversas emergencias de los seres contemporáneos. A través de ficciones especulativas, metabolizo emociones y vivencias personales que buscan resonar en y con otros, en cuanto se mueven de lo particular a lo general, de lo íntimo a lo público, desde adentro hacia afuera y también desde la virtualidad al espacio real. Constanza busca que la intimidad de las emociones y las formas que toman las relaciones se configuren en mi trabajo como potencia política y poética. Busca establecer plataformas que propicien diálogos poéticos a través de una perspectiva feminista. Esta perspectiva no es antropocéntrica sino queer, se activa desde la alteridad que presentan los cuerpos y las ideas en constante proceso de mutación. Explora la posibilidad de crear un espacio-tiempo donde los humanos y los no humanos estén unidos relacionalmente a través de experiencias y acciones tentaculares, un hacer con y volverse uno con los demás, tensionando el trabajo colectivo con el individual”

Fuente: Statement de la artista – Galería Piedras (2020)

Daniel Leber

“Tu perro, tu caca” (2021). Óleo sobre madera. 30 x 13 cm

“La serie de pinturas a la que pertenece la obra Tu perro, tu caca, está realizada sobre una pequeña madera cuyo formato hace referencia a las panjske končnice, unos paneles rectangulares que usaban los apicultores eslovenos para albergar abejas entre el año 1800 y la segunda guerra mundial, aproximadamente. Fueron pintados más de 25.000 de estos paneles por carpinteros y pintores de “segunda mano”. Estas pinturas, únicas en el mundo, se volvieron una suerte de artesanía nacional que la generación de nuestros abuelos trajo en sus valijas al emigrar a la Argentina. Las imágenes retratan mundos imaginarios, bíblicos y rurales con sentidos moralizantes, satíricos y conmemorativos. “De chico -comenta el artista- mi fantasía se agitaba viendo estas imágenes colgadas en las casas de mis cuatro abuelos. Toda una cosmovisión parece emanar de esos relatos visuales que años más tarde, ya de grande, descubrí al profundizar en su estudio. En el 2019, gracias a la beca de viaje Oxenford, pude viajar a Eslovenia y ver colecciones públicas de estas piezas, y a su vez hablar con apicultores sobre los símbolos que aparecen en estas obras. A través de un lenguaje que abreva en el símbolo y la geometría, construyó un imaginario cotidiano con perspectivas metafísicas”.
Fuente: Daniel Leber – PM Galería (2021)

Laura Ojeda Bär

“Mochilas” (2013). Óleo sobre tela. 100 x 50 cm

“Laura Ojeda Bär se dedica a observar, estudiar y analizar aquella energía que fluye cuando distintas personas se reúnen. Al pintar a sus amigos artistas, se crea un juego interno para intentar reconocerlos detrás de las capas de pintura que la artista ajusta y desajusta hábilmente. “Si bien en un comienzo mi pintura apuntaba a ser meramente un fiel registro del otro, hoy en día estoy convencida que mis retratos hablan mucho más de mí que de cualquier otra persona: son un ejercicio de autoconocimiento a través de la sociabilidad”, explica Ojeda Bär. Su frescura y genuina personalidad se estampan en las obras proyectadas en la Galería PASTO: Amigos, una pintura de gran tamaño protagonizada por cuatro amigos artistas; (Mochilas), un díptico que refleja el encuentro a partir de una acumulación de bolsos; y una instalación de siete pinturas de pequeño formato en distintos tamaños acompañadas de un objeto -un vasito cuyo vino se evaporó-. Los protagonistas, los símbolos del encuentro y las huellas o vestigios de éste con una mirada positiva.”

Fuente: Renata Zas – Indie Hoy (2013)

Carlos Cima

“Sin título” (2021). Óleo sobre lienzo. 200 x 190 cm

“La obra de Carlos Cima nos introduce en un clima de subjetividad inmersiva y envolvente. Delgadas capas de materia acechan la superficie de cada lienzo, y es la gestualidad del pintor —la acción del cuerpo del artista en el cuerpo de la obra— la que enuncia: detrás de toda celebración emerge el compromiso de lo festivo. Detenerse ante cada representación despliega algunos interrogantes. La reiteración icónica presente denota la potencialidad de las imágenes y la expresa voluntad de resolverlas en diversos tiempos. Su sentido apela a un universo de referencias construido por el propio artista, y a la nostalgia que emana de esa idea de felicidad inmanente a ciertas ceremonias en torno a un supuesto ideal de familia. Canastas, ramos y arreglos florales, tortas de festejo, muñecos de boda y souvenirs, compendian un conjunto iconográfico que contempla lo celebratorio. Un pasado vivenciado a través de imágenes de álbumes fotográficos provenientes de los anales familiares del artista. Recuerdos construidos e inmortalizados en melancólicos acontecimientos: bautismos, comuniones y casamientos, cumpleaños de quince y otros aniversarios. Tras esa apariencia de sutiles colores y con la liviandad de sus pinceladas, el artista crea veladuras que denotan un pasado de secretas e inquietantes situaciones afectivas. Mediante una Mise-en-scène, la iluminación de sus telas se desentiende de la lógica del claroscuro al tiempo que logra una obra sensual mediante el gesto pictórico. En la acción de repensar su propia práctica pictórica, rescata emociones a través de la trivialidad de los objetos elegidos con los que intenta traducir un ideal de felicidad.”

Fuente: Juan Laxagueborde – Página 12 (2020)

Mónica Heller

“Amigas de Tarsila” (2020) Acuarela y gouache sobre papel 21 x 29 cm 

“Escultura” (2021) Acuarela y gouache sobre papel 56 x 51cm 

Mónica Heller desarrolla a través del dibujo, la pintura, animaciones 2D y 3D un despliegue de narrativas densas mediadas por personajes antropomorfos y objetos en relación con el mundo simbólico circundante. Sus personajes salidos de cuentos o fábulas asumen roles adultos en relaciones complejas que vinculan al espectador con representaciones cercanas en desplazamiento constante de sentido. Los principales recursos de su obra provienen de la transacción entre un imaginario fantástico como medio de interpretación y sublimación de lo real como experiencia inaprensible. – Statement de Piedras Galería

“En el universo fantástico, apocalíptico, surrealista -y, en algunos casos, críptico- de Heller conviven perros que son como lobos voraces y que firman contratos, y hombres y mujeres encadenados por el cuello y sometidos a condiciones animales. Hay también un zorro voyeur que observa a hombres y mujeres que se duchan, y una extraña niña –con el torso descubierto, por momentos parece no tener nariz– en silla de ruedas, que indaga acerca de qué es un paisaje y el alcance de ese vocablo en el lenguaje. La naturaleza resulta amenazante: los árboles traspasan muros o adquieren formas monstruosas. Vinculados a un imaginario de los dibujos animados, los personajes son osos, gatos y perros. Además, integran la serie pinturas surrealistas y metafísicas.

Muchas de las imágenes que conforman esta especie de cómic surgen, cuenta la artista, a partir de escenas que ve y de sueños. Los perros humanoides protagonistas de la serie “Los contratos del futuro serán firmados por perros” —un políptico compuesto por nueve pinturas que se vende como una pieza única y que no se puede desglosar— están inspirados en los que ve cuando va a pintar en carpa a Ramallo, cerca del río. Cada pintura es como una viñeta de un mundo distópico con imágenes de animales humanizados sujetos a abusos de poder.”

Fuente: Marina Oybin – La Nación (2021) 

Mario Scorzelli 

“Acá no hay comunistas” (2016) Graffiti sobre pared 

La obra “Acá no hay comunistas” surge a partir de una invitación realizada por la curadora Agustina Pérez Rial para trabajar con un archivo de documentos desclasificados que atestiguan las persecuciones del Servicio de Inteligencia de la Policía de la Provincia de Buenos Aires (Bipba) sobre una presunta agrupación comunista. Los hechos y las historias registradas giran en torno a la realización del IX Festival internacional de Cine en la ciudad de Mar del Plata y el contenido de los documentos no parece describir las actividades de una organización política revolucionaria, sino la rutina más trivial que se desarrolla en cualquier ciudad moderna; con información detallada sobre lugares y horarios en los que las personas se reúnen para tomar café o comprar ropa en una tienda. Esto, sumado a una escritura despojada de toda ornamentación, recuerda el formato de los guiones sobre los que se construyen las ficciones. 

La lectura de los archivos genera varios interrogantes en relación a qué esperaban encontrar ¿existió esa agrupación comunista? ¿Cuáles eran sus actividades además de tomar café y comprar ropa? ¿Qué relación tiene todo eso con el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata? En contraste con este escenario, en el que cuesta encontrar huellas que evidencian una articulación entre el arte y las actividades políticas revolucionarias, en el mismo momento histórico, pero lejos de las luces del festival, cineastas como Pino Solanas y Octavio Getino filmaban La hora de los hornos y creaban el grupo Cine liberación con la intención de generar un espacio para el diálogo y la libertad de expresión, y el instituto Di Tella llevaba a cabo la emblemática exhibición Experiencias 68. 

Montar la obra “ACÁ NO HAY COMUNISTAS” en la Universidad Di Tella fue una oportunidad para vincular esas narrativas y reponer un clima de tensiones entre el arte y la política. Con el graffiti, la palabra invade el espacio exhibitivo e instala una serie de relaciones a partir de una literalidad espectral que nos permite trazar un correlato con otras frases pintadas de nuestra historia de arte local, como las pinturas callejeras de Tucumán Arde o las inscripciones en la obra Baños Públicos realizada por Roberto Plate en el Instituto Di Tella.

BIO

MARCELO ALZETTA (1977)

Marcelo Alzetta nació en Tandil, Buenos Aires. Tuvo una infancia frágil a causa del situs inversus, una rara malformación genética. Desde pequeño le gustó pintar y lo hacía con la convicción de quien quiere ser un artista. Siendo un adolescente comenzó a asistir a las clases del historietista uruguayo Alberto Breccia, en su taller conoció al grupo con el que iba a fundar el colectivo El Tripero y crear la mítica revista que llevó el mismo nombre. Tomó clases con Ahuva Szlimowicz y conoció a Pablo Suárez que lo vinculó a algunos artistas de la escena de los noventa, con quienes comenzó a participar de exposiciones colectivas a finales de la década. A pesar de la distancia al mudarse nuevamente a Tandil, su vínculo con la escena de la ciudad de Buenos Aires siguió siendo activo, en 2008 tuvo su primera presentación individual, Windows 77: Fantasía, en la galería LDF y a lo largo de la década siguiente expuso con frecuencia tanto colectiva como individualmente. En 2017 Ivan Rosado editó el libro Paseo con sus dibujos y pinturas. En 2019 Francisco Garamona dirigió el documental Marcelo Alzetta: una baldosa renacentista que recoge el testimonio del artista desde su departamento de Tandil. Al año siguiente Metamúsica editó Museo primitivo su primer disco de larga duración donde plasmó otra de las facetas que desarrolló a lo largo de su carrera, la música electrónica. 

CARLOS CIMA (1990)

Carlos Cima vive y trabaja en Buenos Aires. Se formó en el Programa de Artistas, Universidad Torcuato Di Tella 2019, Licenciatura en Artes Visuales, Universidad Nacional de Arte (UNA), Clínica de obra con Pablo Siquier, Gabriel Baggio y Valeria González. Distinciones: Segundo Premio Nacional de Pintura del Banco Central de la Nación categoría menores de 35, Premio Estímulo 96º Salón de Mayo – MPBA Rosa Galisteo, Premio honorable cámara de Senadores de la Provincia de Buenos Aires del Salón de arte joven Museo Emilio Pettoruti. Beca Programa de artistas residentes MARCO ARTE FOCO en el Museo de Arte Contemporáneo de La Boca, Primera Mención Premio Banco Nación de artes visuales, Mención Arte joven IX Premio de pintura de Banco de Córdoba, Mención Tercera edición Premio Vittal. Muestras individuales: “Las teorías conspirativas de mi familia”, Museo de arte contemporáneo de La Boca, “Nunca me invitaron, no sé si voy a ir”, Constitución galería y “Las pinturas negras” granada gallery. Muestras colectivas: Salón nacional de artes visuales Castagnino-Macro. Premio Proyecto A arte contemporáneo, Bienal de arte joven.

CLARA ESBORRAZ (1991)

Clara Esborraz es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Nacional de Rosario. En 2015 fue becada por el Fondo Nacional de las Artes para realizar el taller “La Basurita”, en 2017 recibió el apoyo de la Municipalidad de Rosario para realizar el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella y en 2018 formó parte de la residencia URRA Tigre. Participó en diversas muestras individuales y colectivas siendo las más recientes: Sucia y desprolija (PIEDRAS, 2019-2020), La hora rota (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2019), Concurso de Artes Visuales 2018 del FNA (Casa Nacional del Bicentenario, 2019), Geometría Pueblo Nuevo (PIEDRAS, 2018), 72° Salón Nacional de Rosario (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, 2018), Premio Itaú a las Artes Visuales (Casa Nacional del Bicentenario, 2018), Dibujo para hablar más lento (Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, 2018), Supersimétrica (Matadero Madrid, 2018), y La Torpeza Emocional: Ensayo I (PIEDRAS, 2017), entre otras. Recibió el Premio adquisición Salón Nacional de Rosario por su serie “Se siente como entrenamiento’’ en el 73° Salón Nacional de Rosario, el Premio Estímulo en el Concurso de Artes Visuales 2018 del Fondo Nacional de las Artes y la Beca de Viaje para artistas de la Colección Alec Oxenford 2019.

CONSTANZA GIULIANI (1984)

Constanza Giuliani vive y trabaja entre Santiago de Chile y Buenos Aires. Es Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de Cuyo. Participó del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2012) mediante una beca completa otorgada por YPF. En 2013 asistió a los encuentros mensuales de Yungas Arte Contemporáneo en Mendoza. Realizó el programa de tutorías BLOC (2016) en Santiago de Chile y en 2019 fue seleccionada para cursar la Beca Migrante en el Campus Creativo de la Universidad Andrés Bello con la Corporación Cultural de la Universidad de Santiago (Chile). Realizó las residencias Eskff de Mana Contemporary en New Jersey (2015) y Curatoría Forense Social Summer Camp en Chile (2015). Fue seleccionada para el Salón Vendimia (2018), Salón de Mayo Museo Rosa Galisteo (2017), entre otros. 

Realizó las muestras individuales “En una isla pegada a la tierra cerca de todo” (PIEDRAS, Buenos Aires, 2019), “Primavera en el baño” (P.A.P.I. Programa de Arte Público Independiente, Ciudad de México, 2017), “Qué te pasa ya sé que estás solx” (Material Art Fair presentado por PIEDRAS, Ciudad de México, 2017), “El corazón de un mundo” (PIEDRAS, Buenos Aires, 2016). Su proyecto “VANGUARDIA TRANSFORMER” fue exhibido en Laboratorio de Festival (presentado por PIEDRAS, 2018) e itineró por Mendoza (Imagen Galería, 2018) y Santiago de Chile (Proyecto Marisol, 2019). Participó en exhibiciones colectivas en distintos espacios como el Drawing Center en Nueva York (“100 Drawings from Now”, 2020) Centro Cultural Gabriela Mistral en Santiago de Chile (“Independencia”, 2018), Casona Fernandini en Lima (“Consternaciones / Constelaciones”, 2017), Centro Cultural Rojas en Buenos Aires (“Yungas”, 2015) y Museo MACRO en Rosario (“Oh James eres tan inteligente…”, 2013) entre otros.

MÓNICA HELLER (1975)

Artista argentina. Participó de la primera edición del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2009), creado por Inés Katzenstein. Fue becada por la fundación MMSN para realizar una residencia en Hangar Centro de Creación Contemporánea, Barcelona (2010). Ha sido premiada por el Salón 50 años Fondo Nacional de las Artes 2009, Premio Itaú Cultural 2010, Salón MUNT de arte contemporáneo Tucumán 2017, Primer Premio Fundación Andreani 2017 y Premio Estímulo en el 72 Salón Nacional de Rosario entre otros. En 2019 presenta “De la conciencia satélite al saber satelital”. un trabajo comisionado por el Premio Braque, “El Gato Sangrante y el Corazón Barbudo” en PIEDRAS galería y Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) y “OK.012/019” en LISTE – Art Fair Basel y art berlin. Sus obras fueron expuestas de manera individual y colectiva en Buenos Aires, Rosario, Salta, San Martín de los Andes, Tucumán, Barcelona, Santiago de Chile, Londres, Lyon, San Pablo y Berlín entre otras. Desde el 2012 realiza junto a Marcelo Galindo la serie de animación “Ciudad Elemental” gracias al apoyo de Plataforma Futuro, Cultura de la Nación que fue presentada en el auditorio del Malba en abril del 2018 y en Mundo Dios, Mar del Plata. Representará a la Argentina en la Bienal de Venecia del 2022. 

DANIEL LEBER (1988)

Daniel Leber es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Asiste a talleres de artistas. Participa de residencias como artista y coordinador en Buenos Aires, Santa Fe, Misiones y Tucumán. En el 2012 se incorpora al programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Recibió becas de producción e investigación de la Fundación Oxenford (2019), Fondo Nacional de las Artes (2013) y el Banco de San Juan (2011). Avalado por la UBA, investigó la obra de Federico Manuel Peralta Ramos (2014-2018). Sus muestras individuales más significativas fueron “Pibelandia” (2012, Oncelibre), “Nueva Roma” (junto a Juan Matías Álvarez, 2015, Diagonal) y «Viaje de Ida» (2017, La Paternal Espacio Proyecto). Su búsqueda plástica abreva en la naturaleza del pensamiento simbólico.

LAURA OJEDA BAR (1986)

Laura Ojeda Bär nace en Buenos Aires. Estudió Licenciatura en Artes Visuales en el IUNA, fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas (Agente CIA) de la Fundación Start, y del PAC (Prácticas Artísticas Contemporáneas).Entre 2014 y 2015 se desempeña como coordinadora de contenidos, producción y organización de actividades educativas dentro del CCK. A comienzos de 2019 asiste a Nes Artist Residency, Skagaströnd, Islandia. En 2019-2020 hace el Programa de Artistas de la UTDT. Desde el 2012 realiza numerosas muestras individuales y colectivas (Marco Arte Foco, Fundación Tres Pinos, Laboratorio/Festival, Pasto Galería). Desde 2015 también se desempeña como curadora independiente. En 2017 su proyecto “Lxs Pierri” resultó ganador de la convocatoria RADAR, del Centro Cultural Recoleta. En 2018 ganó el 2do. Premio de pintura del Salón Nacional y en 2020 es finalista del Premio Azcuy, junto a Matías Malizia. En el 2021 gana el Premio en Obra de la Fundación ArteBA. 

MARIO SCORZELLI (1983) 

Es Licenciado en Curaduría en Artes de la Universidad Nacional de Artes y Diseñador de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. Participó del Programa de Artistas (UTDT, 2016), fue agente becario del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA – 2015) y del Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas (C.C. Rojas, 2010). Es cofundador de los espacios de arte Rayo Lazer (2009 -2012), Galería Inmigrante (2013-2014) y Amigo del Interior (2015-2016); con quien obtuvo el premio arteBA-Chandon (2015). Realizó numerosas exhibiciones y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas. Obtuvo el 3° Premio de Pintura del Banco Central (2019), la Beca de Viajes de la Fundación Oxenford (2018), La Beca Bicentenario para la Creación Artística del Fondo Nacional de las Artes (2016) y el Fondo Metropolitano de las Artes (2014). Es autor del libro El Capital Perdido (Tammy Metzler, 2018). Actualmente se desempeña como editor de la Revista Jennifer y es profesor de la Universidad Nacional de Artes. 

SANTIAGO VILLANUEVA (1990)

Artista y curador. Cursó la maestría en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano en IDAES (Universidad de San Martín). Durante los años 2008-2012 concurrió a la clínica de Diana Aisenberg. En 2010 fue becario del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA). 

Tiene a su cargo el área de influencia ampliada del Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo y fue curador del ciclo Bellos Jueves en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Es curador pedagógico del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Es editor de la Revista Tradición y parte del grupo editor de la revista Mancilla.

Es docente en la materia Estudios Curatoriales en la Universidad Nacional de las Artes (Argentina). En el 2011 fue seleccionado para participar de la Octava edición del Premio arteBA Petrobras de artes visuales con el proyecto Adquisición. En 2012 obtuvo el primer premio del Salón Nacional de Rosario con su obra “Museo del Fondo del Paraná”.

En 2013 recibió una beca de la Fundación Cisneros Fontanals (CIFO) para realizar un proyecto titulado Geografía Plástica Argentina. En 2014 fue artista residente en J.A.C.A (Belo Horizonte-Brasil).